바니타스는(Vanitas)는 라틴어로 '공허, 허무'를 의미한다. 18세기 네덜란드와 플란데런 지역에서 유행한 정물 회화의 한 장르이기도 한 바니타스는 해골, 빈 유리잔, 낡은 책, 꽃이나 과일을 갉아먹는 벌레 등을 사실적으로 묘사하여 '죽음을 기억하라(Memento Mori)'는 메시지를 전달한다. 중세와 르네상스 시대의 죽음의 이미지(안락한 '구원)는 흑사병과 종교전쟁이라는 파괴적인 경험을 통해 현실로 변모하면서 삶은 죽음의 연속이 됐다. 바로크 시기의 화가들은 살아있는 현실에 죽음의 상징을 투영하기 시작했고, 네덜란드 화가들은 바니타스 정물화를 통해 인간 삶의 유한함을 강조하고 가치 있는 삶을 살아야 한다는 교훈을 전했다. 1960년대 미국에서 일어난 하이퍼리얼리즘회화(Hyperrealism Painting)는 사진과 구별할 수 없을 정도로 사물과 인물을 정밀하게 묘사한다. 포토리얼리즘과 장 보드리야르의 시뮬라시옹(simulation) 철학을 바탕으로 만들어진 하이퍼 리얼리즘은 미세한 디테일, 빛과 그림자, 대상의 질감 등을 매우 현실적으로 그려내는 미술적 기술에 작가만의 주관적인 시각적 해석과 감정이 담겨 있으며 사실주의와 결합하여 현실보다 더 현실 같은 아이러니함과 강한 시각적 충격을 선사했다. 바니타스와 하이퍼리얼리즘은 다른 시대와 문화에서 발전했지만, 현실주의적 묘사와 죽음(유한성)이라는 주제를 공유하며 미술의 기술적 표현을 통해 감정과 메시지를 전달한다.

《Unusual Day 예사롭지 않은 날》 展은 의자를 통해 시간의 흐름, 기억을 나타내는 풍경과 사물을 사진처럼 세밀하게 묘사하면서도 미니멀하게 완성된 화면을 통해 작가만의 계획된 구성으로 단단하고 힘 있게 부재를 표현해 온 지석철 작가의 작업을 소개한다.

지석철은 부재의 서사(Narrative)를 탐구하기 위해 작가의 상징이라고 할 수 있는 소파 쿠션의 등받이 부분과 미니 의자를 화면에 반복적으로 등장시킨다. 탁월한 묘사력으로 극사실적으로 그려낸 작업은 사실에 근거한 이미지에서 출발하여 오브제로의 전환과 입체(설치)작업의 경험이 복합적으로 변주한 개념적 이미지이다. 거대한 자연 혹은 인간이 만든 건축물과 대비되는 미니 의자는 부재의 상징으로 의자는 작품의 주인공이자 동시에 존재를 위한 부차적 도구로 갈망, 그리움, 서정성을 담는 주제이다. 작업을 관통하는 ‘부재’라는 키워드는 ‘그 곳에 존재했었음’을 전제로 한다. 의자는 작가 자신일 수도, 삶에 지친 현대인 일 수도 있다. 존재의 표상인 의자를 통해 현대인과 상실감과 고독, 불안의 정서를 대변하고 시대의 상실과 아픔을 은유적으로 표현한다.

이번 《Unusual Day 예사롭지 않은 날》 展에서는 의자를 모티프로 한 지석철의 50년 작품 활동의 시대적 프로세스를 재확인하고, 물성을 가진 의자가 일상의 관념에서의 기능을 벗어나 “의자가 아닌 또 다른 것이 되어도 좋을” 존재의 표상으로서 시대를 관통하는 근원적 상실감, 그리고 그 속에 공존하는 희망을 사유하고자 한 지석철의 ‘부재의 서사’를 살펴볼 수 있다.

Vanitas means ‘voidness and futility’ in Latin. Being a genre of still life painting that was popular in the Netherlands and Flanders region of Belgium in the 18th century, it conveys the message 'Remember Death (Memento Mori)' by realistically portraying skulls, empty glasses, old books, and bugs gnawing flowers or fruits. With the image of death (easy salvation) of the Middles Ages and Renaissance transforming into reality through the devastating experiences of the Black Death and religious wars, life became a continuation of death. Painters of the Baroque period began to project symbols of death into living reality, and the ones in the Netherlands underlined the finiteness of human life through vanitas still life paintings and delivered the lesson to live valuable lives. Hyperrealism paintings, which arose in the 1960s in the U. S., depict things and people so precisely that they are indistinguishable from photographs. In hyperrealism, which was created based on photorealism and Jean Baudrillard's simulation philosophy, the artist's subjective visual interpretation and emotions are embedded in techniques that realistically draw fine details, light and shadow, and the texture of objects, providing irony that seems more lifelike than reality and a strong visual impact combined with realism. Developed from different times and cultures though, vanitas and hyperrealism share authentic depictions and the theme of death (finitude), conveying emotions and messages via technical expressions of art.

Ji Seok-cheol repeatedly brings out the backrest of a sofa cushion and a mini chair on the picture that are said to be the artist’s symbols to explore the narrative of absence. His works, drawn hyper-realistically with excellent skill, are conceptual images where experience of conversion to objet and three-dimensional (installation) works went through complex variation, beginning from an image based on facts. As a symbol of absence, the mini chair, contrasting with the gigantic nature or man-made structures, plays the main character of the piece and at the same time a secondary tool for existence, a theme that portrays craving, longing, and lyricism. The keyword ‘absence’ that runs through the work presupposes that ‘it existed there.’ The chair could be the artist himself or a contemporary person who is tired of life. Through the chair, which is an emblem of existence, Ji represents modern people and their sentiments of loss, loneliness, and anxiety, and metaphorically expresses the loss and pain of the times.

In this exhibition, 《Unusual Day》, we can reconfirm the historical process of the artist’s 50 years of work using a chair as a motif, and take a look at his ‘Narrative of absence’, which seeks to think about the fundamental sense of loss that permeates the times and the hope that coexists within with a chair in its physical properties going beyond its usual function, serving as an emblem of an existence that “could be something other than a chair”.