"In order to be irreplaceable, one must always be different."

대체할 수 없는 존재가 되기 위해서는 항상 달라야 한다.

19세기의 프랑스 화학자 쉐브릴(Michel Eugene Chevreul)은 뉴턴의 빛에 대한 이론에 기반, 「색의 대비와 배합에 대한 원리」 (1983), 「색의 대비와 배합에 대한 원리, 그리고 예술에의 적용」 (1985) 등의 논문을 통해 색채의 상호작용, 빛의 효과를 통한 사람의 인지에 관한 이론들을 정립한다. 미국의 루드(Ogden Nicolas Rood) 역시, 두 인접해 있는 색은 멀리서 봤을 때 다른 색으로 보인다는 것을 발견했다. 이 인접한 색조는 물감을 섞어 만드는 색보다 훨씬 더 강렬하게 사람들이 인지하며, 빛의 삼원색과 색의 삼원색 원리가 세상에 밝혀진다. 조르주 쇠라(George Seurat, 1859-1891)는 포인티리즘(Pointillism, 점묘법) 예술 운동의 중심인물 중 한 사람이다. 작은 점을 사용하여 이미지를 형성하는 독특한 묘법이 특징으로 원거리에서는 작은 점들이 섞여 다양한 색상으로 보이게 되는 시각적 효과를 이용하여 빛이 주는 밝고 화사한 느낌을 표현했다. 쇠라는 색채이론의 과학을 예술로 승화하여 색 자체에 대한 의미를 부여, 형태와 선 등의 조형적인 가치를 중요시하는 현대미술의 기본요소를 찾아볼 수 있다.

《 Icon, Light and Narrative 아이콘, 빛과 서사》 展은 회화와 부조의 경계에서 오브제를 통해 직관적이면서도 그 안에서 읽을 수 있는 여러 가지 코드를 보여주는 이동재 작가의 작업을 소개한다.

이동재는 쌀, 콩, 팥 등과 같은 곡물 자체가 가지고 있는 일정한 크기와 색을 회화적으로 이용하여 직관적이면서도 유희적인 작업으로 주목받은 작가이다.  우리가 익히 알고 있는 아인슈타인의 초상인데 좁쌀을 한알 한알 붙여 재현하여 좁쌀영감이라는 언어적 유희를 담는다든지, 콩과 팥으로 표현한 쥐 두 마리 모습을 통해 콩쥐팥쥐를 떠올리게 하는 등 쉽게 다가오는 도상이면서 재료와의 관계에서 나오는 이야기, 관객들의 경험에서 우러나오는 주관적인 해석의 여지를 제공한다. 이동재가 보여주는 인물은 정해진 형태가 있지만, 조금만 깊이 들어가 보면 형태가 보이는 것이 아닌, 하나하나의 내용물이 보이는 것과 같이 작가가 표현하는 수단은 나름의 규칙을 가지고 있다. 픽셀을 하나의 오브제로 채워 도상을 재현하는 방식을 통해 대상의 물성을 활용하여 정체성을 표현하는 방법을 통해 작품의 재료와 그것이 만들어내는 형태의 유기적 관계성을 갖게 하는 것이다. 수공예와 같은 노동집약적 방식을 통해 패턴화된 규칙적 형태를 만들고 캔버스나 패넬 등 회화와 같은 평면적 형태를 취하면서 오브제로 작품을 구성하는 조각적인 방식을 통해 작품의 조형성과 의미를 확장해 나갔다.

이번 《 Icon, Light and Narrative 아이콘, 빛과 서사 》 展은 한 세기를 대표하는 유명 인사들의 초상 시리즈를 크리스탈로 표현한 이동재의 작업을 선보인다.  그의 작업에서 잡곡 한 톨, 크리스탈 한 알은 마치 인상파의 터치이자 점묘파의 점, 각종 인쇄매체의 망점이자 디지털 프로세스의 픽셀처럼 수십 수백 수천개가 모여 하나의 이미지를 조합한 이동재만의 조형 언어를 살펴볼 수 있다.

“In order to be irreplaceable, one must always be different.”

In the 19th century, French chemist Michel Eugène Chevreul (1786–1889), building on Newton’s theory of light, established key principles of color interaction and visual perception in his treatises The Principles of Harmony and Contrast of Colors (1839) and The Principles of Harmony and Contrast of Colors, and Their Application to the Arts (1845). Likewise, American physicist Ogden Nicolas Rood discovered that two adjacent colors, when viewed from a distance, are perceived as another, more intense color—far more vivid than a pigment mixture. These studies clarified the principles of the three primary colors of light and pigment.

Georges Seurat (1859–1891) emerged as one of the central figures of Pointillism, an artistic movement defined by the use of countless small dots to construct an image. When seen from afar, the dots visually blend, producing luminous, vibrant effects of light and color. Seurat elevated the science of color theory into an art form, imbuing color with intrinsic meaning and laying the foundation for modern art, which values the plastic elements of form, line, and structure.

The exhibition 《Icon, Light and Narrative》 introduces the works of Lee Dongjae, which reveal both intuitive and layered codes through objects that hover between painting and relief.

Lee initially gained recognition for his playful yet intuitive works that use the fixed size and natural hues of grains such as rice, beans, and red beans as painterly materials. For example, he recreated the well-known portrait of Einstein with individual millet grains, embedding a linguistic pun in the Korean nickname “Millet Grandpa”; or he crafted two mice using beans and red beans, playfully evoking the Korean folktale Kongjwi and Patjwi. His images are familiar and approachable, yet the choice of material adds new layers of narrative and invites subjective interpretation rooted in the viewer’s own experience.

Although the portraits he creates possess predetermined forms, a closer look reveals not simply the image itself but the individual grains that compose it. His method of filling an image with countless small objects follows its own set of rules, akin to reconstructing a subject’s identity through the physicality of its material. By treating each grain as a pixel, Lee reinterprets the relationship between material and form, generating a unique organic interplay.

Through a labor-intensive, craft-like process, Lee creates patterned, systematic compositions. While adopting the flat surfaces of painting—such as canvas or panel—he also expands into sculptural expression by structuring his works through objects, thereby extending both their formal and conceptual dimensions.

This exhibition, 《Icon, Light and Narrative》, presents Lee Dongjae’s portrait series of world-renowned figures of the past century, realized through crystal. Each grain of rice, each bead of crystal functions like an Impressionist’s brushstroke, a Pointillist’s dot, a halftone in print media, or a pixel in digital processes. Together, tens, hundreds, or even thousands of these units assemble into a single image, revealing Lee’s distinctive visual language.