페이토갤러리 Peyto Gallery

알림

정고요나는 소셜네트워크(SNS)에서 수많은 개인이 서로의 일상을 활발히 공유하고 관찰하는 것에 주목하여 소셜미디어의 사진을 소재로 한 작업을 통해 동시대 정서를 평면 회화로 담아내는 작가이다. 유화 작업을 기반으로 자신의 일상을 사진처럼 기록하는 작업으로 작품활동을 시작한 작가는 2016년 《기억의 목적》 개인전에서 인적이 없는 놀이터, 골목길 등 밤의 풍경이나 인물과 사물의 빛과 그림자를 연출한 작업을 선보였다. 오래전부터 '동시대성'을 작품에 담아내고 싶었던 작가는 평면이라는 물성 한계를 '리얼 라이브 페인팅'(2016~2018)이라는 퍼포먼스(CCTV, 웹캠, 셀프카메라 등 인터넷을 통해 생중계되는 영상을 직접적으로 프로젝션 함과 동시에 움직이고 있는 인물의 실루엣을 라이브로 그려내는 회화작업)를 통해 평면 회화의 물적 한계를 탈피, 동시대성을 작품 속에 담아냈다.

이후 인물에 관심을 가지게 된 작가는 소셜미디어에 올라온 불특정한 사람이나 작가의 지인, 작가가 찍어 올린 '자기 검열을 통해 계획적이지만 그 의도를 숨겨 지기를 원하는' 지극히 개인적인 순간들을 선택해서 캔버스 위에 다시 한번 필터링 한다. 화면을 옮기는 과정에서 빛을 제외한 모든 장소성을 삭제하거나 어둠을 강조하여 빛을 드러내는 방식으로 실제 시공간을 주관적으로 변형시킨다. 유화물감을 천천히 쌓아 올리는 과정에서 시간을 붙잡고 서사를 만들어 나간다. 우리가 액정 위 터치를 통해 바라보기만 할 수 있었던 완벽한 타인의 시공간을 유화물감이 층을 붙잡아 정고요나만의 감각으로 화면에 재구성한다.

작가는 소셜미디어에서 이미지를 수집할 때 전시의 키워드를 생각한 후 필요한 이미지를 선택한다. 지난 《Filtering》 전시에서는 필터링된 이미지를, 《아주 사적인 절차_In My Algorithm》에서는 알고리즘 안에서 벌어지는 개인적인 이야기의 소통을 다루는 등 전시의 구성을 생각하여 인물, 풍경, 정물 등을 적절히 수집하면서도 구도, 색감 등 회화의 기본적인 요소를 고민하고 작가의 흥미 요소(물, 인물)를 고려하여 선택한다. 이번 전시에서 선보이는 작품들은 기존 작품의 감성을 이어가면서도 좀 더 작가 개인이 관점과 시선을 담았다. 〈시선을 넘어〉(2024)는 덴마크 루이지애나 모던 뮤지엄을 〈공존하는 시간〉(2024)은 독일 프랑크푸르트에 있는 어느 미술관의 모습을 담았다. 배경이 되는 핑크색 커튼은 작가가 직접 촬영한 이미지이지만 화면 속 여성은 소셜미디어에서 가져온 이미지이다. 〈숨고르기〉(2024) 역시 바다 이미지와 수영복을 입고 앉아있는 인물은 각기 다른 이미지에서 가져온 것이다.

정고요나는 수집한 이미지를 그대로 화면에 옮기는 것이 아닌 작가의 시선으로 일종의 필터링을 거쳐 시공간을 주관적으로 변형시킨 새로운 장면을 회화로 재현하며 그의 작품은 전시를 찾는 관람객에게 공유되고 관찰된다. 소셜미디어의 이미지는 회화를 통해 자신과 대상이 속해 있는 동시대의 세상과 소통하는 정고요나만의 연결고리인 것이다.

Jung Goyona focuses on the fact that numerous individuals actively share and observe each other's lives on social media, and captures contemporary emotions in two-dimensional paintings by incorporating photos posted. The artist, who began her career by recording her daily life like a photograph based on oil painting, showcased nocturnal scenes such as deserted playgrounds and alleys, and the light and shadow of people and objects in her 2016 solo exhibition “Purpose of Memory” (Attertain) where she presented pieces that cast shadows. With the long desire to capture 'contemporaneity' in her work, she overcame the limitations of the materiality of the two-dimensional painting and captured contemporaneity through a performance called 'Real Live Painting' (2016-2018) (A painting work that directly projects images broadcast live on the Internet, such as CCTV, webcams, and self-cameras, and simultaneously draws the silhouette of a moving person live).

The artist, who later became interested in individuals, selected unspecified people posted on social media, her acquaintances, or extremely personal moments taken by the artist that were 'planned through self-censorship, but wanting to hide the intention’ and filtered them on canvas once again. While translating them onto the canvas, real space and time are subjectively transformed by deleting all sense of place or emphasizing darkness to reveal light. She holds on to time and creates a narrative in the process of slowly piling up oil paints. The paint captures the layers of someone else's perfect time and space, which we could only see through a touch on the canvas, and they are reconstructed with her own sense.

When collecting images from social media, Jung deliberates on the keywords for the exhibition and then selects the images she needs. Considering the composition of the exhibition, she appropriately collects people, landscapes, still objects, etc., while considering the basic elements of painting such as composition and color, and selecting elements of her interest (water, people) like she did in the exhibition 《Filtering》 where filtered images were selected, and in 《A Very Private Procedure_In My Algorithm》 where communication of personal stories that occur within the algorithm was deals with. The works presented in this exhibition continue the tone of her existing works, but incorporate the artist's individual perspective and view. She captured the Louisiana Modern Museum in Denmark in 〈Beyond the Gaze〉 (2024), and an art museum in Frankfurt, Germany in 〈Coexisting Time〉 (2024). The pink curtain in the background is an image taken by the artist herself, but the woman on the canvas is an image taken from social media. In 〈Taking a Breath〉 (2024), the image of the sea and a person sitting in a swimsuit are also taken from different sources. Rather than transferring the collected images onto the canvas as they are, she reproduces new scenes in paintings that subjectively transform time and space through a filtering process influenced by her perspective, which are then shared and observed by visitors at the exhibition. Images on social media are the artist’s unique means of communicating with the contemporary world to which she and her subjects belong through the medium of painting.

“나의 일상을 그리는 것은 어떻게 보면 단순한 기록이 되겠지만, 타인의 일상을 그리는 것은 어떻게 보면 상상이 들어간다. SNS에 올려진 사진을 그림으로 옮기면서 이미지 속 상황, 감정은 본인이 아니기에 정확히 알 수 없기에 그런 상상을 하게 만드는 그런 장치가 발현되는 것이다.

이것은 나의 일상을 기록한 회화도 마찬가지이다. 내가 나의 그림을 보면 그 당시의 기억을 떠올리지만, 타인이 나의 기록을 보면 자신의 경험에 비추어서 '상상'하며 이해하기 때문이다. 이런 작업을 해보고 싶었다….

어쩌면 우리는 편집된 일상을 살고 온라인상에서 만난 사람들과 관계를 맺으면서 현대인의 삶에서 오는 고독함과 관계에 대한 욕망을 표현하고 있는 것이 아닐까?”

- 작가 노트 중-

“In some ways, sketching my everyday life is a simple record, yet capturing other people's everyday lives involves imagination. Transforming a photo posted on SNS into a painting creates a device that allows one to envision the situation and emotions in the image, and since the situation and emotions are not my own, I lack precise knowledge of them, thus creating a device that allows such things.

This also applies to paintings that record my daily life. When I look at my paintings, I recall memories of the time, but when others look at my records, they 'imagine' and understand them in light of their own experiences. I wanted to try something like this…

"Could it be that by curating our days and forming connections with people we meet online, we are expressing the loneliness and yearning for relationships that come with modern life?"

- From the artist's note -