Dongwook SUH
서동욱 (b. 1974)
서동욱은 사람을 그리는 작가다. 모델, 빛, 조명, 배경, 소품을 통해 장면을 연출한 사진을 촬영한 뒤 그중 한 장면을 화폭에 옮기는 독특한 작업 방식을 통해 젊은 청춘 군상의 단면을 포착하여 회화의 본질을 탐구한다. 관찰을 통한 사생寫生으로 인물의 외적인 부분은 물론 내면까지 담아내는 전통적인 초상화의 방법론을 바탕으로 하지만, 모델을 이용하여 허구적인 상황을 만들고 연출을 통해 빛, 조명까지 의도하는 '캔버스 안에서의 미장센 구현'이라는 서동욱만의 고유한 화법은 회화를 전공하고 프랑스에서 영상을 공부한 그의 이력과도 연결된다. 사실적으로 보이지만 거친 붓 자국을 품고 있는 인물화는 서동욱이 고안한 독특하면서도 중요한 화법으로 사진이 포착하지 못한 작가가 인물을 통해 느낀 감정까지 붓질로 덧입혀 표현하는 서동욱의 터치는 물감을 얇게 발라 붓 자국을 남기면서 세밀하게 끌어낸다. 묘사보다는 정서적 공감이 우선이라고 말하는 작가는 의도적인 미장센 연출을 통해 작품의 대상과 거리를 확보함으로써 단순한 인물화가 아닌 내밀한 의식 세계를 관람자가 추론할 수 있도록 한다. 작가의 의도보다 화면 속 인물들의 상황과 의도, 감정을 유추하게 하는 것이다.
서동욱의 인물은 끊임없이 변화해왔다. 2006년 <서 있는 사람들> 연작에서는 익명의 청년들을 벽 쪽에 붙이듯 세워놓고 카메라에 달린 플래시의 강렬한 불빛에 반응하는 인물을 포착해 젊은이들의 방황과 불안을 담았다. 이후 <실내의 인물>(2013) 연작에서는 주변의 지인을 모델로 어스름한 자연광 아래 세우고 어떤 상황인지 가늠할 수 있는 소품과 배경을 넣어 영화의 한 장면 같은 느낌을 내면서, 자연광을 활용하여 인물의 표정이 훨씬 자연스럽고 감정 표현도 섬세한 것이 특징이다. 예리하고 냉철한 기교의 붓 터치도 점차 부드러워지고 느슨해지기 시작해 <여름-바다-눈부신>, <멜로디>(2020) 작업에 이르러서는 편안함까지 느껴진다.
이번 《Greenroom : 그린룸》展에서 선보이는 작업은 인물보다 화면에 담긴 이야기에 주목한, 보다 ‘영화적’인 작업이다. 그린룸은 출연자 대기실을 뜻하는 연극 용어로, 전통적으로 벽의 색이 그린 컬러였던 것에서 유래한다. 서동욱의 그린룸은 세상에 자신을 선보이기 전 ‘준비’하는 공간이다. 녹색이 칠해진 ‘방’이라는 개인 공간에서 타인의 시선을 벗어나 어떤 역할이나 가면을 벗은 진정한 ‘나’의 모습을 표출한 청춘의 초상을 통해 일상의 한구석에서 불안과 공허함을 비추는 작업을 선보인다.
Dongwook Suh is an artist who paints people. Through a unique method of taking photographs of scenes staged with models, light, lighting, background, and props, and transferring one of those scenes onto canvas, Suh explores the essence of painting by capturing the aspect of young people. Rooted in the traditional portrait methodology that captures not just someone’s external features but also their inner self through observation and sketching, his distinctive technique of "realizing mise-en-scène within the canvas" involves crafting fictional situations using models and to intentionally direct light and lighting, which is also connected to his background of majoring in painting and studying film in France. The portraits, which appear realistic but has rough brush marks, are a unique and important painting technique devised by the artist where his strokes express the emotions felt through the figures that photographs could not capture. It is achieved by applying thin paint and leaving brush marks. The artist, who says that emotional empathy is more important than description, secures a distance from the subject of the work through intentional mise-en-scène direction, allowing the viewer to infer the intimate world of consciousness rather than a simple portrait. It is to conjecture the situation, intention, and emotions of the characters on the canvas rather than the artist’s intention.
Suh‘s characters have been constantly changing. In the 2006 series <Standing People>, he positioned anonymous young individuals against a wall and captured their reactions to the intense camera flash, effectively capturing the uncertainty and anxiety of youth. In the subsequent <Indoor Figures> (2013) series, he used his acquaintances as models under dim natural light, added props and backgrounds that allowed viewers to assume the situation, and created a mood like a scene in a movie. The use of natural light makes the characters' facial expressions more natural and adds subtlety to their emotional expressions. The sharp and objective brushstrokes gradually become softer and looser, even adding a comfortable feel to the works like <Summer-Sea-Dazzling> and <Melody> (2020).
Works presented in this exhibition 《Greenroom》 is more “cinematic,” focusing on the story contained on the canvas rather than the character itself. Green room is a theatrical term meaning a waiting room for actors, and it comes from the fact that the walls were traditionally colored green. The artist’s green room is a space where he ‘gets ready’ before revealing himself to the world. Through a portrait of a youth who reveals his true self, free from any role or mask, in a personal space called a ‘room’ painted green, the artist presents works that highlight the anxiety and emptiness found in the corners of everyday life.
TEXTS
"예전에는 한 사람에게서 느껴지는 개성에 영감을 받았다. 그의 외모와 분위기에서 무언가를 발견했을 때 나는 그 사람의 세계 속으로 들어가서 다큐멘터리 감독처럼 작업했다. (중략)
최근에는 가까운 사람은 그리지 않는다. 그 사람이 자신을 바라보는 시각에 영향을 받기 때문에다. 대상과 닮음을 크게 고려하지 않고, 제목에 모델의 이니셜을 붙이지도 않는다. 이 그림이 그의 초상화가 아니기 때문이다.
이제 나는 내가 만든 세계 속에 그 사람을 불러 배역을 주고 영화감독처럼 작업한다."
- 작가 노트 중-
"I used to be inspired by the individuality felt from a person in the past. When I discovered something in someone’s appearance and aura, I immersed myself in his or her world and worked like a documentary director. (Omitted)
Lately, I do not paint people close to me. For I am affected by how that person views oneself. I don't consider how much the painting resembles the subject much and I don't include the model's initials in the title. Because this painting is not someone’s portrait.
I summon that person into the world I created, give him or her a role, and become a film director."
- From the artist's note -
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