페이토갤러리 Peyto Gallery

알림

1970년대 초반 개념미술 그룹 S.T(Space & Time)에서 활동한 김홍주는 오브제와 개념을 활용한 전위적인 작업을 시도하다 1975년경부터 본격적으로 회화로 전환하며 극사실주의 회화로 주목받기 시작했다. 거울이나 창문 같은 실재 오브제를 회화 이미지와 결합하며 재현과 실재의 관계를 질문했고, 1980년대에는 인물과 풍경을 세밀하게 묘사하는 작업을 통해 ‘세필 회화’의 기반을 다졌다. 이후 그의 회화는 점차 촉각성과 반복성을 강조한 개념적 회화로 확장되며 독자적인 조형 언어를 구축하게 된다.

수천 번 반복되는 세필의 선과 점을 통해 회화의 본질을 탐구해 온 김홍주의 작업은 극사실주의적 접근에서 시작되었다. 화면을 가득 메우는 정교한 붓질과 중첩된 필선의 흐름을 통해 재현을 넘어 감각의 영역으로 나아간다. 겹겹이 쌓인 선들은 화면 위에 시간과 감각, 그리고 존재의 흔적을 남기며 보는 이로 하여금 시각이 아닌 촉각으로 회화를 경험하게 만든다. 이것은 드로잉의 개념과 겹친다. 시작과 끝이 명확하지 않은 붓질, 의미를 고정하지 않는 화면 구성, 감각적 즉흥성은 전통 회화와는 다른 ‘회화적 드로잉’으로 해석된다. 이러한 경계의 모호함은 그가 줄곧 유지해 온 작업 태도이자, 김홍주 회화 세계관의 핵심이기도 하다. 그는 드로잉과 회화의 사이에서 작업함으로써 이중성과 불확정성 속에서 회화의 본질을 다시 묻는다.

김홍주의 작업은 특정한 상징이나 개념을 전달하지 않는다. 작품의 제목은 〈무제〉로 화면의 위아래조차 명확히 구분하지 않는다. 그는 그림을 메시지의 수단이 아니라 시각적 감각의 대상 그 자체로 보길 원하며, 관람자가 작가의 의도를 따라가는 것이 아니라 자기 감각에 따라 회화를 구성하길 기대한다. 이러한 열린 구조의 회화는 관람자를 또 다른 창작자로 만들어 회화 감상의 새로운 차원을 제안한다.

홍익대학교에서 서양화를 전공한 김홍주는 1978년 첫 개인전을 시작으로 국제갤러리, 삼성미술관, 성곡미술관, 아르코미술관 등에서 수차례 개인전을 개최했다. 이중섭미술상(2010), 파라다이스상(2006), 이인성 미술상(2005)을 비롯해 국내외에서 다양한 수상 경력을 쌓았으며, 국립현대미술관, 서울시립미술관, 리움미술관, 후쿠오카시립미술관 등 주요 미술 기관에 작품이 소장되어 있다. 그는 지금도 화면 위에서 감각을 좇으며, 회화의 근원에 가까이 다가가는 그림을 그리고 있다.

Active in the conceptual art group S.T (Space & Time) in the early 1970s, Kim Hong Joo initially explored avant-garde practices using objects and conceptual elements. Around 1975, he transitioned fully into painting and began gaining attention for his photorealistic works. By combining real objects such as mirrors or windows with painted imagery, he questioned the relationship between representation and reality. In the 1980s, Kim’s meticulous depictions of figures and landscapes laid the foundation for his distinctive fine-brush painting style. His practice later evolved into a more conceptual form of painting, emphasizing tactility and repetition, ultimately establishing his own unique visual language.

Kim Hong Joo’s work, which explores the essence of painting through thousands of meticulously repeated lines and dots, began with a photorealistic approach. Through densely layered brushstrokes and the flowing accumulation of fine lines across the canvas, his work moves beyond representation into the realm of sensation. The overlapping lines leave traces of time, sensation, and existence on the surface, inviting the viewer to experience the painting not through sight alone, but through touch. This approach aligns with the concept of drawing. Brushstrokes without clear beginnings or ends, compositions that resist fixed meaning, and a sensory spontaneity characterize his practice as a form of “painterly drawing (drawing-oriented approach to painting)” distinct from traditional painting. This ambiguity of boundaries has been a consistent aspect of Kim’s artistic stance and lies at the heart of his artistic philosophy. By working between drawing and painting, he continually reexamines the essence of painting within duality and indeterminacy.

Kim Hong Joo’s work does not aim to convey specific symbols or concepts. His pieces are titled Untitled, and even the orientation of the canvas—top and bottom—is left deliberately ambiguous. He does not view painting as a vehicle for delivering messages, but as a sensory object in and of itself. Rather than guiding the viewer through the artist’s intentions, he invites them to construct their own experience of the painting through their own senses. This open-ended structure transforms the viewer into a co-creator, proposing a new dimension of engagement with painting.