Hyungjin Park
박형진 (b. 1971)
박형진의 회화는 '사는 일 - 삶의 경험'에서 출발합니다. 그는 하루를 보내며 느낀 몸의 감각, 가족과 반려동물, 집과 작업실을 오가며 쌓이는 미세한 기억을 화면 위에 다시 써내려갑니다. 하루의 기록이면서 캔버스 위에서 새로이 탄생한 그의 그림은 관찰과 상상의 언어가 교차하고 평범한 사물들이 사적인 문장처럼 배열되어 현실과 꿈의 경계가 서서히 흐려집니다. 작가의 회화는 꾸준히 가꿔온 '정원'과도 같이 살아있는 회화라고 할 수 있습니다.
1990년대 중후반의 초기 작업은 도시의 옥상에서 시작되었습니다. 옥상을 일종의 실험실로 삼아 화면을 몇 개의 색면을 분할하고 그사이에 사물과 그림자의 잔상을 놓아둠으로써 사진과 같은 정확한 묘사보다 배치와 간격, 장면과 함께 멈춰있는 시간의 리듬을 먼저 느낄 수 있도록 했습니다. 사물은 온전히 나타나지 않고 관계를 드러내는 방식의 분할과 간접 표상은 이후 박형진의 오랜 문법이 되었습니다. 이 시기의 연작 〈일기〉의 문법은 이후 〈정원〉 연작으로 이어지며 박형진 회화의 중요한 키워드인 장면과 장면을 잇는 서사적 리듬의 토대가 되었습니다.
2000년대 초 결혼과 출산, 도시에서 산골 마을 풍기로의 이주를 통해 삶의 무게중심이 이동한 박형진은 생활공간 자체가 주제가 됩니다. 〈신생〉, 〈베이비 파파〉 연작을 통해 돌봄의 감각을 서정과 유머로 재해석되고 과수원과 텃밭은 단순한 배경이 아니라 그의 이야기가 싹트는 무대가 되었습니다. 이 시기 작품에 '사과'의 등장이 반복적으로 등장합니다. 대형 캔버스에 사과를 나열해 공간의 호흡을 탐색하고, '사과맨'이라는 의인화된 캐릭터를 등장시켜 일상의 행위를 가볍게 비틀었습니다. 이 시기의 작업은 사실적 묘사와 도상적 배열이 겹쳐져 가정과 작업의 경계가 거의 사라지게 됩니다. 생활이 곧 작업이자 작업이 생활의 지속이라는 명제가 분명해지는 시기라고 할 수 있습니다. 이후 확대와 축소의 유머가 화면에 등장하면서 과장된 스케일을 통해 동화적 정서를 불러오면서도 일상의 사물을 다시 보게 만듭니다. 평면을 분할하고 도상의 정교하게 배열하여 '확대된 오브제 + 점경 인물'의 구도를 통해 평범한 하루가 기념적 사건으로 변환되는 순간을 담았습니다.
2010년대 초중반의 작업에서 '정원'은 누군가의 부재를 품은 채 여전히 자라는 세계로 그려집니다. 화면을 가득 채운 녹색의 큰 화면에 원추형 나무와 소박한 조경, 곳곳에 놓인 장난감과 소품은 정원을 단순한 풍경이 아니라 기억의 무대로 바꿔놓았습니다. 이 시기에 작가의 분신처럼 보이는 '아이'와 '개'의 도상이 본격적으로 등장합니다. 포옹과 손짓, 몸을 기대는 제스쳐가 화면의 정조를 결정하고, 관람자는 그들의 속도로 정원을 거닐게 됩니다. 이 시기 박형진의 회화는 감정의 미세한 결을 물성으로 밀착시키는 방식(색면의 겹침, 붓결의 진폭, 캐릭터의 시선)으로 무르익습니다. 연속된 개인전을 거쳐 도상이 더욱 정제된 박형진의 작업은 캐릭터와 식물의 형태는 단단해지고 크기, 비례의 왜곡과 평면 분할이 보다 명료한 장치로 공고화됩니다. 화면은 보다 간결해졌지만, 색면과 질감의 대비가 앞선 시기의 서정과 유머를 균형 있게 품어내어 이야기의 밀도를 높이되 서술은 절제하는 방식을 통해 일상과 동화의 경계를 더욱 형식적으로 다지는 시기라고 볼 수 있습니다.
최근 작업은 2024년 개인전 〈Bittersweet〉에서 전환점을 맞습니다. 파랑새 구조의 경험을 '새랑' (새와 사랑의 합성어) 연작으로 확장하고, 작가 자신의 분신인 '타이니키즈'를 통해 돌봄과 공존의 감정을 구체화했습니다. 서정적 장면을 늘어놓는 데 그치지 않고 위험에 처한 동물을 구하는 행위로 이어지는 그의 작업은 삶의 실천과 다시 한번 맞닿습니다.
이번 전시에서는 〈Bittersweet〉 연작과 함께 신작 〈마음의 정원 - 오후 3시〉를 선보입니다. 하루 중 오후 3시는 잠시 쉬어가는 시간이면서, 심기일전하여 새롭게 시작하는 시간이기도 합니다. 동물들과 함께하는 〈낮잠〉, 〈꽃 세 송이〉, 〈단잠〉, 〈허그〉, 〈짹〉 등의 작업은 모든 생명체의 작은 목소리에 귀 기울여 가족의 일원으로 서로 고독과 외로움, 상처를 치유하고 삶의 큰 낙이 되고 의지가 되는 관계와 교감을 통해 희생과 사랑, 배려와 관계에 대한 작가적 성찰을 담고 있습니다. 기존의 박형진의 작업 스타일로 표현하기 힘든 복잡한 심경을 모노톤으로 그려낸 〈Blue Grey Drawing〉 연작은 컬러가 배제된 블루 그레이 드로잉을 통해 또 다른 힘을 보여줍니다. 또한 작가가 좋아하는 것, 인상 깊었던 그림책의 한 장면 등 사소하지만 소중한 평범한 일상에서 발견한 반짝이는 순간들을 작은 캔버스에 차곡차곡 그린 삶의 퍼즐 조각과도 같은 드로잉 〈Small Pieces Painting〉 시리즈를 만날 수 있습니다.
박형진의 '마음의 정원'은 개인의 서사를 넘어 '함께 자라는 정원'을 꿈꾸게 합니다. 옥상에서 시작된 분할의 언어는 과수원과 정원으로 옮겨 심어졌고, 정원은 상실과 돌봄을 품으면서 성장했습니다. 시간의 흐름 속에서 그의 작품 속 도상은 단정해지고 색과 질감은 더 절제되었지만, 일상의 반복 속에서 발견되는 미세한 변화, 돌봄이 남기는 흔적, 손과 손이 맞닿는 순간의 온기와 같은 것들을 캔버스 위에서 확장되며 현재형으로 지속 중이라고 할 수 있습니다.
Park Hyungjin’s paintings begin from “the act of living” — from lived experience itself. The artist rewrites the sensations of the body, the fleeting memories that accumulate while moving between home and studio, and the presence of family and companion animals back onto the surface of the canvas. His paintings are at once a daily record and a newly born image-space, where the languages of observation and imagination intersect. Ordinary objects are arranged like private sentences, and the boundary between reality and dream gradually dissolves. His practice may be described as a living painting, much like a garden that has been patiently tended over time.
His earliest works from the mid- to late 1990s began on the rooftops of the city. Treating the rooftop as a kind of laboratory, he divided the pictorial plane into several color fields and placed afterimages of objects and shadows between them. Rather than pursuing photographic fidelity, he emphasized spacing, arrangement, and the suspended rhythm of time held within a scene. Objects never fully appear; instead, they are suggested through division and indirect representation — a grammar of relation that would become a long-standing stylistic foundation for Park. This period’s Diary series later evolved into the Garden series, establishing the narrative rhythm that connects scene to scene: a key motif in Park’s mature practice.
In the early 2000s, marriage, the birth of a child, and relocation from the city to the rural town of Punggi shifted the center of gravity of his life, and the living environment itself became his subject. In Newborn and Baby Papa, the sensibility of care is reinterpreted with lyricism and gentle humor, and the orchard and vegetable garden become not a backdrop but a stage upon which his stories take root. During this time, the motif of the apple appears repeatedly. He explored spatial rhythm by arranging apples across large canvases and introduced a personified character, “Apple Man,” lightly twisting everyday gestures into play. Here, factual depiction and iconic arrangement overlap, nearly erasing the boundary between home and studio. Life becomes the work, and the work becomes the continuity of life itself. The interplay of enlargement and reduction introduces humor, and through exaggerated scale the paintings evoke a fairytale quality while prompting viewers to rediscover familiar objects. Dividing the plane and precisely arranging icons into a composition of “enlarged object + miniature figure,” he captures the moment in which an ordinary day crystallizes into a commemorative event.
In the early to mid-2010s, the “garden” is rendered as a world that continues to grow while holding the absence of someone who is no longer there. Large green fields of color fill the surface, with cone-shaped trees, modest landscaping, toys and small props scattered throughout—transforming the garden into a stage of memory rather than a mere landscape. Here, the figures of the “child” and the “dog,” appearing like the artist’s alter egos, enter the work in full force. Gestures of embrace, touch, and leaning bodies determine the emotional tone of the image, and the viewer comes to wander through the garden at their pace. During this period, Park’s paintings mature through the way subtle textures of feeling are attached to material surface—through layered color fields, the amplitude of brushwork, and the direction of each character’s gaze. As his solo exhibitions continued, the figuration became more refined: plant forms and characters solidified, while distortions of scale and proportion, along with structured division of the plane, became clearer formal devices. The compositions grew more concise, but contrasts of surface and color preserved the earlier lyricism and humor, deepening narrative density while holding back explicit narration — a stage in which the boundary between daily life and fairytale was more rigorously formalized.
His most recent works reached a turning point in the 2024 solo exhibition Bittersweet. The experience of rescuing a bluebird expanded into the Bird-Love (Saerang) series — a neologism combining “bird” (sae) and “love” (sarang) — and the artist’s alter-ego “Tiny Kids” further embodies the emotions of care and coexistence. The works no longer remain at the level of presenting lyrical scenes but extend into acts of protection and saving animals in danger, where the artwork once again meets the practice of living.
TEXTS
“이른 아침, 부지런한 새들 소리에 눈을 뜬다. 커텐을 걷고 창문을 열어 오늘의 공기를 확인 후, 하루를 버티기 위한 최소한의 운동을 한다. 고양이들 아침 먹이를 주고 강아지들과 산책을 나간다. 산책길 중간에 위치한 부모님 댁에 들러 부모님 안부를 살피는 일은 몇 년 전부터 중요해진 아침 일과다. 농막으로 사용하는 컨테이너 박스 앞 탁자 밑에 터를 잡은 길고양이 가족들에게도 통조림과 사료를 갖다 바친다. 오전 루틴을 제대로 지켜야 나의 하루도 평안하다. 집으로 돌아와 간단한 아침식사와 커피 한 잔으로 에너지를 충전한 후, 작업실로 통하는 나만의 계단을 내려가면 드디어 오전 작업 시작이다.
캔버스를 세워 놓고 거친 붓질을 한다. 이젤을 눕혀놓고 물기 가득한 물감을 캔버스 위에 떨군 후, 말리고 닦고를 반복한다. 러프하게 그려놓은 형상들은 물감을 칠하거나 닦아내기를 반복하면서 점차 그 모양을 갖추게 된다. 원하는 모습의 형태와 원하는 만큼의 밀도가 나오기 까지는 꽤 많은 시간을 필요로 한다. 더욱 시간이 소중하게 느껴지는 요즘이다. 정오가 지나면 배터리가 방전되는 느낌이다. 아침보다 조금 더 영양가 있고 맛있는 음식이 필요하고 오후 활동을 위한 충분한 휴식도 필수다.
오후 3시 쯤, 마음을 다잡고 새롭게 다시 시작한다. “
- 2025 여름 박형진 작가 노트 중 -
“Early morning, I wake up to the sound of the busy birds. I check today’s air through the open window by drawing back the curtains, and do the minimum amount of exercise necessary to get through the day. I feed the cats and take the dogs for a walk outside. Dropping by my parents’ house which is located halfway along the walking route, to check in on them has become an important part of the morning routine in recent years. I give canned food and kibbles to a stray cat family who have made their home under the table in front of a container box used as a farmer’s hut. My day is at peace when I faithfully stick to my morning routine. After recharging myself with a simple breakfast at home, my morning work finally begins when I go down the private staircase that leads to my studio.
I set up a canvas and make rough brushstrokes. Laying the easel flat, I drop wet paint onto the canvas, then repeat the process of drying and wiping. The roughly sketched shapes gradually take form as the paints are repeatedly applied and wiped away. It takes quite a lot of time to get the shape and density I want. That’s why time feels all the more precious these days. It feels as if my battery is draining in the afternoon. I need food that’s a little more nutritious and delicious than the one I had in the morning, and enough rest to power through the afternoon is essential.
Around 3 p.m. I pull myself together and start anew.”
- From the artist’s note in 2025 Summer -
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